La Crocifissione di Mariano Lanziani

quadro san nicola LanzianiL’opera che analizzerò in questo articolo è situata nella Chiesa Madre San Nicola di Bari in Lauria, nello specifico nella cappella dedicata al Beato Domenico Lentini.

L’autore è Mariano Lanziani, artista di origini lauriote conosciuto soprattutto per la sua attività pittorica di matrice religiosa e operante per lo più in terra lucana.

Nell’opera è raffigurato Gesù crocifisso con ai suoi piedi la Vergine, Maria Maddalena e San Giovanni Evangelista.

Il Lanziani ambienta il fatto sacro in uno scenario naturalistico caratterizzato da pochi elementi; difatti come ben sappiamo la Crocifissione si svolse sul monte Golgota, ed è proprio uno scenario naturalistico, montuoso quello dipinto dal pittore come proscenio sul quale si svolgono i fatti rappresentati. A far da sfondo alla Crocifissione una veduta di città, purtroppo i pochi elementi architettonici dipinti non permettono di individuare la città di riferimento, ma la si potrebbe definire come una città ideale. Forse, questa scelta compositiva è stata fatta per conferire maggiore rilevanza alla raffigurazione del “Sacro” senza troppi orpelli che avrebbero potuto distogliere l’attenzione dello spettatore.

Da notare è anche l’importanza data al cielo, il quale occupa i ¾ dello sfondo,  un cielo simbolico il cui colore reso quasi a sfumature che gli conferiscono una tonalità rossa aranciata, fa riferimento al colore cardine della Passione di Cristo.

Protagonista assoluto della scena è Gesù, rappresentato sulla croce di legno, su cui è visibile la scritta INRI (Jesus Nazarenus Rex Iudaeorum). L’artista fedele all’iconografia classica lo dipinge seminudo coperto solo da un drappo bianco, ciò rende ben visibili le ferite sul suo corpo. Gesù ha le mani e i piedi sanguinanti per essere stati trafitti dai chiodi con i quali fu messo in croce e un’altra ferita al costato che fu realizzata da un soldato che lo colpì con la lancia. Il volto di Cristo, con il capo circondato dalla corona di spine e dall’aureola non ha un’espressione sofferente, ma al contrario sembra quasi calmo, imperturbabile come se niente potesse più fargli del male.

Alla sua sinistra la Madonna vestita nei colori canonici del blu e del rosso, che richiamano rispettivamente il colore celestiale della divinità e il colore terreno, l’esistenza terrena.  La Madonna è resa con le mani giunte in segno di preghiera mentre il suo volto ed il suo sguardo sofferente e a tratti preoccupato sono rivolti verso suo figlio. Alla base della Croce ai piedi di Cristo è Maria Maddalena, raffigurata con i tipici capelli lunghi sciolti, il volto sofferente, mentre sembra quasi che con le mani stia raccogliendo il sangue che fuoriesce dalle ferite ai piedi di Gesù. Alla destra di Cristo vi è Giovanni l’Evangelista, il più giovane e il prediletto tra gli apostoli. Nella scena della Crocifissione egli occupa un posto privilegiato accanto alla croce con la Madonna che Cristo gli affida in punto di morte. San Giovanni è detto in tale contesto “dolente”, e ben lo si percepisce sia dalla sua espressione sia dal modo in cui ha le mani intrecciate e rivolte verso il basso. Questa iconografia si  ritrova spesso nelle rappresentazioni del santo è presente infatti in diverse opere, tra cui il Trittico Galitzin del Perugino.

A livello stilistico la tela si caratterizza per una scelta compositiva incentrata sulla semplicità, pochi gli elementi architettonici, solo alcuni edifici identificabili con quelli di una città come un ponte e altre costruzioni sullo sfondo, molta importanza è data invece alla raffigurazione del fatto Sacro che si svolge in primo piano occupando così la stragrande maggioranza del dipinto.

La tela sembra piuttosto statica, difatti i protagonisti sono come bloccati, assorti in espressioni contemplative o di dolore. Seppur un certo movimento è dato dai drappeggi delle vesti e dall’utilizzo della prospettiva che dona profondità alla scena raffigurata.

A livello coloristico e luministico abbiamo una prevalenza di tonalità chiare e molta luce soprattutto nella parte superiore, sembra quasi che i personaggi siano rischiarati dalla luce del sole, resa con pennellate sfumate che vanno dal giallo all’arancione fino quasi al rosso, questo espediente pittorico oltre a dare profondità alla scena dona calore anche alle tonalità fredde delle vesti dei personaggi.

Dott.ssa Anna Nica Fittipaldi

PROPOSTE PER LA REDAZIONE DELLA STRATEGIA DI SVILUPPO LOCALE LEADER 2014/2020

L’ASSE 4 Leader del PSR Basilicata 14/20 prevede l’elaborazione di una strategia di sviluppo locale di tipo partecipativo. Tale strategia dovrà essere basata su azioni di miglioramento delle capacità degli attori locali pubblici e privati.

feasr_2014-2020

Le azioni di miglioramento e sviluppo presenti nella strategia dovranno essere coerenti con massimo 3 ambiti tematici previsti.

Le proposte Sistema di itinerari e di percorsi grandi attrattori-aree interne e Percorsi di trekking urbano prevedono delle azioni di marketing territoriale che rientrano in tre ambiti tematici: Reti e comunità intelligenti; Valorizzazione dei beni culturali e patrimonio artistico legato al territorio; Turismo sostenibile.

Entrambe le proposte hanno come scopo quello di accrescere il grado di competitività e di attrattività del territorio.

La prima proposta, Sistema di itinerari e di percorsi grandi attrattori-aree interne, prevede la creazione di una serie di itinerari e percorsi, sia reali sia virtuali da percorrere a piedi o in bicicletta, in macchina o in moto che andrebbero a collegare in una rete intelligente i grandi attrattori presenti sul territorio del Gal di nuova costituzione, e che permetterebbero in questo modo di ammirare il patrimonio storico, artistico, enogastronomico, ambientale e spirituale del territorio.

Per grandi attrattori intendo sia quelli già realizzati o in via di realizzazione come quello sulla diga di Senise o sul lago Sirino, sia quelli ancora da realizzare come ad esempio quelli previsti nel progetto Ultimo Miglio. I comuni interessati dai grandi attrattori sarebbero, dunque, attraverso questi percorsi collegati ai comuni delle aree interne. Tale strategia consentirà oltre al rafforzamento dei grandi attrattori esistenti, la creazione di altrettanti poli storico-culturali e la riconnessione con i diversi siti e punti di eccellenza del territorio, attraverso itinerari tematici.

In questo modo si riuscirebbe non solo a valorizzare le aree rurali, ma anche a destagionalizzare i flussi turistici ipotizzando dei percorsi tematici che possano favorire l’offerta turistica anche in periodi dell’anno in cui la domanda turistica è più scarsa o in cui i grandi attrattori non sono funzionanti, completando in questo modo l’offerta turistica regionale.

I diversi percorsi andrebbero messi a sistema in modo da creare degli itinerari capaci di convogliare i flussi di visitatori dei grandi attrattori verso le aree interne, puntando su una comunanza di tematismi.

La creazione di questa rete di itinerari e percorsi sarebbe utile anche per risolvere un altro annoso problema della nostra regione, quello della permanenza dei turisti. Spesso, infatti, il turista che visita un paese della Basilicata rimane solo una giornata, invece creando un sistema di collegamento e connessione fra i diversi borghi il turista potrà aumentare i giorni di permanenza spostandosi da un luogo all’altro accomunati da specifici tematismi.

 

La seconda proposta, Percorsi di trekking urbano, sarebbe utile soprattutto per migliorare l’offerta turistica delle aree rurali prevedendo la creazione di percorsi con diversi livelli di difficoltà in modo da permettere a qualsiasi tipologia di turista di poterli affrontare agevolmente. Tale proposta rientrerebbe nell’ambito: Turismo sostenibile e Valorizzazione dei beni culturali e patrimonio artistico legato al territorio. In questa maniera si andrebbero a valorizzare anche i paesaggi non solo i bc e si creerebbe un’attrattiva turistica anche per i piccoli borghi. Tale offerta turistica andrebbe ad indirizzarsi verso una tipologia di turismo più slow, che ami stare a contatto con la natura e con l’arte e che ami il relax e la tranquillità tipici dei nostri paesi.

Attraverso il trekking urbano si promuoverebbe la conoscenza e valorizzazione dei borghi ed inoltre, con la creazione di diversi percorsi, si punterebbe a destagionalizzare l’offerta turistica. I percorsi pensati, mediante la gamification e le tecnologie ICT potrebbero divenire dei veri e propri strumenti di edutainment per attrarre anche le nuove generazioni.

Anche i percorsi di trekking urbano potrebbero essere messi “in rete” in quanto risulta sempre più indispensabile istituire un coordinamento di tutti i comuni in modo da rafforzare i legami di fratellanza, solidarietà e cooperazione.

Per entrambe le proposte (Sistema di itinerari e di percorsi grandi attrattori-aree interne, Percorsi di trekking urbano) si punterebbe anche all’utilizzo delle nuove tecnologie per mezzo di app, di tour virtuali a 360°, della realtà aumentata e di ricostruzioni 3D. Si potrà ipotizzare la realizzazione di una piattaforma multimediale che permetterà di interagire in maniera dinamica e interattiva con gli itinerari tematici ed i percorsi di trekking urbano. A quest’ultima, potrà essere abbinata un’applicazione che consentirà al turista, di mettersi in rete con luoghi, mappe, racconti viaggio, monumenti ed eccellenze paesaggistiche ed enogastronomiche attraverso l’attuale tecnologia.

In questa prospettiva, bisogna dar vita ad un processo di sviluppo inteso come qualificazione, riqualificazione e creazione ex novo di attività, servizi e fattori di attrattiva che, situati in uno spazio definito, siano in grado di proporre un’offerta del patrimonio rurale e culturale articolata ed integrata, strutturando un unicum sia dal punto di vista contenutistico/esperienziale/emozionale sia spaziale/di fruibilità/usabilità/accessibilità (territorio user friendly).

La numerosa presenza sul territorio di associazioni culturali, inoltre, creerebbe i presupposti per il coinvolgimento di persone specializzate “in loco” pronte ad accogliere ed informare i turisti sul patrimonio culturale, rurale, paesaggistico ed enogastronomico tipico, rafforzando così i servizi turistici anche in quei luoghi in cui sono carenti.

Per entrambe le proposte sarebbe opportuno realizzare un sistema di segnaletica, questa infatti contribuirebbe a rendere il territorio accattivante, a proporre dei percorsi immersivi e coinvolgenti, aggiungendo man mano nuovi tasselli, nuove informazioni sul territorio, che andrebbero ad arricchire conoscenze già possedute e che contribuirebbero in maniera significativa ad avvicinare il visitatore-ospite ad un patrimonio fino a quel momento sconosciuto o di difficile penetrazione, facilitandone e ampliandone la comprensione.

In conclusione è, insomma, necessario che si strutturino le condizioni affinchè il territorio passi da luogo a destinazione, da “luogo geografico” a prodotto complesso, configurando un’offerta che presuppone un’attività di coordinamento (management) strutturata sul territorio, capace di mobilitare e coinvolgere gli attori locali ed il tessuto economico e sociale verso una fruizione innovativa e interrelata tra tutte le risorse presenti nell’area.

La cultura del territorio, la cultura della qualità e la cultura della cooperazione, combinando strategicamente tutela, recupero, attrattività, fruibilità e comunicazione, vanno a connotare l’unicità dell’area, costituiscono l’elemento di differenziazione rispetto ad altri contesti, garantiscono, attraverso un intervento di riconnessione territoriale, un’offerta multiprodotto per flussi multimotivazione, diversificando i singoli elementi/tematismi all’interno di un “prodotto-territorio” / “prodotto esperienza”.

 

 

Dott.ssa Anna Nica Fittipaldi

Il palazzo vescovile di Lauria ed il suo stemma

In piazza Viceconti è possibile osservare l’antico Palazzo Vescovile. Esso fu fatto realizzare nel 1640 dal Vescovo Pietro Magri, ed era la dimora abituale estiva dei pastori diocesani fino almeno al 1820.

All’interno del palazzo vescovile si riunirono il Vescovo ed i prelati fra cui il Beato Domenico Lentini durante i tragici fatti del 1806, e nella stessa sede fu anche organizzata una cena con gli invasori i quali si comportarono villanamente mangiando e bevendo a dismisura e rubando le posate.

Sul portone di ingresso dello storico palazzo vescovile vi è uno stemma raffigurante un pellicano che tiene la zampa su un melagrano.

Nello specifico al pellicano è da sempre connesso un importante significato cristologico legato ai concetti di sacrificio, carità e pietà. L’animale è divenuto il simbolo del supremo sacrificio di Gesù, in quanto secondo una credenza popolare il pellicano per nutrire i suoi piccoli si ferisce il petto, invece in realtà l’animale curva il becco verso il proprio petto in modo da prendere il cibo che trasporta nel cosiddetto sacco golare.

Il pellicano è anche un simbolo di devozione familiare, infatti secondo i bestiari medievali l’animale ama moltissimo i propri figli. Questi ultimi appena nati colpiscono i genitori ferendoli, e di conseguenza gli adulti reagiscono uccidendoli. Passati tre giorni la madre si percuote il petto fino a ferirsi e porge il suo sangue ai piccoli che in questo modo riescono a svegliarsi. Tutto questo rispecchia quello che Gesù ha fatto con il genere umano che lo ha respinto, è salito sulla croce e si è immolato versando il proprio sangue per i peccati degli uomini.

A volte, infatti, può capitare che al di sopra di Gesù in croce venga raffigurato un pellicano nel nido con i propri piccoli che si ferisce il petto.

Il pellicano è dunque una rappresentazione allegorica della bontà e della carità.

Il melagrano invece è simbolo di Resurrezione, oltre che di prosperità, di abbondanza. Di fondamentale importanza, soprattutto visto il luogo di cui lo stemma con il pellicano e il melagrano è simbolo, va detto che il frutto esprime anche il concetto di unità tra i diversi, in questa accezione ha ispirato la raffigurazione allegorica della Chiesa, capace di unire in una sola fede molti popoli e culture.

Nel corso degli anni il Palazzo Vescovile è stato sede dell’asilo gestito dalle suore, oggi è una struttura polivalente che funge sia da casa canonica sia da luogo per incontri di varie associazioni impegnate sul territorio per volontariato o attività con i bambini, all’interno viene svolto anche il catechismo ed in ultimo il palazzo viene considerato quale sede di eccellenza per convegni ed incontri culturali.

Dott.ssa Anna Nica Fittipaldi

Beni culturali per tutti: accessibilità universale

Il tema dell’accessibilità universale ha assunto negli ultimi anni un ruolo sempre più prioritario nel campo dei Beni Culturali e nello specifico nelle attività volte alla loro valorizzazione e fruizione.

Già a partire dalla definizione del termine Valorizzazione, così come risulta dal Codice dei Beni Culturali (testo aggiornato ai decreti legislativi nn. 62 e 63 del 26 marzo 2008, pubblicati nella G.U. n. 84 del 9.4.2008), ci si rende conto di quanto l’accessibilità sia un punto cardine. Infatti, l’articolo 6 del Codice dei beni culturali e del paesaggio definisce la valorizzazione come “l’esercizio delle funzioni e la disciplina delle attività dirette a promuovere la conoscenza del patrimonio culturale e ad assicurare le migliori condizioni di utilizzazione e fruizione pubblica del patrimonio stesso, anche da parte delle persone diversamente abili, al fine di promuovere lo sviluppo della cultura”. Secondo l’art. 2 del Codice, poi, i beni “di appartenenza pubblica sono destinati alla fruizione della collettività”, evidenziando così lo stretto collegamento esistente fra valorizzazione e fruizione.

Dunque, l’accessibilità fisica e culturale appare quale requisito rilevante per rendere pienamente fruibili i  beni e i siti culturali a qualsiasi utente, anche a chi può presentare condizioni di disabilità temporanee o permanenti di diversa natura, come ridotta capacità sensoriale, motoria o psichica. Non solo i disabili in senso stretto, quindi, ma anche chi soffre di disabilità temporanee o acquisite con l’età, chi non ha i mezzi materiali o culturali, per utilizzare gli strumenti impiegati o per leggere e capire le informazioni presentate.

In una società moderna ed inclusiva i concetti di accessibilità e fruibilità di un bene o di un sito devono per forza di cose coincidere.

Del resto, la valorizzazione del patrimonio culturale non può prescindere dalla fruizione pubblica dello stesso, che per essere compreso appieno ha necessariamente bisogno dell’esperienza diretta della persona. Negare la possibilità di avere una percezione completa ed esaustiva di uno spazio o di un oggetto di interesse storico culturale equivale a negare, di fatto, la possibilità di goderlo.

Il bene culturale, infatti, è oggi chiamato dalla collettività a rispondere costantemente delle proprie finalità. Non è più sufficiente, come in passato, limitarsi ad esporre. La vera sfida è riuscire a comunicare adeguatamente, essere al servizio dell’utenza e provvedere ad identificare e a soddisfare i bisogni espressi dai fruitori, specie laddove vi siano esigenze specifiche.

L’abbattimento delle barriere architettoniche ha rappresentato negli ultimi anni uno degli interventi di maggiore spessore messo a frutto dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, anche attraverso l’istituzione  di una Commissione  Ministeriale che nel 2008 ha pubblicato le linee guida per il superamento delle barriere architettoniche nei luoghi di interesse culturale.

Personalmente, credo che garantire la fruizione di un bene o di un sito culturale da parte di tutti sia un dovere morale e civico, anche perché il patrimonio culturale appartiene all’intera collettività, è formato da beni comuni, quindi è giusto che tutte le persone debbano essere messe in grado di fruirne allo stesso ed identico modo senza preclusioni e differenze alcune.

Bisogna sempre di più sviluppare i concetti di inclusività, di partecipazione, di condivisione, nel fare ciò però non si deve ricorrere nell’errore, spesso commesso da alcuni musei, di sviluppare dei percorsi ad hoc per determinate fasce di utenza ( ad esempio persone cieche, sorde o con ridotta capacità motoria) perché così facendo si va esattamente nella direzione opposta, in quanto si rischia di non essere inclusivi, ma anzi discriminanti. Bisogna cercare di trovare una soluzione quanto più possibile adatta alle esigenze di tutti, anche perché se si progetta tenendo conto dell’accessibilità universale sono tutti gli utenti a guadagnarci e non soltanto delle particolari categorie di persone.

Anche perché, è utile ricordare che spesso non è necessario avere una disabilità fisica per non riuscire ad avere accesso ad un’informazione,  o a fruire appieno di un bene o di un sito culturale. In merito a ciò, va sottolineato che il numero di persone ostacolate da barriere culturali e cognitive è molto più imponente rispetto alle persone ostacolate da qualche tipologia di disabilità motoria o sensoriale. Non tutti, infatti, hanno un background culturale tale da riuscire a comprendere e utilizzare informazioni contenute ad esempio nelle guide turistiche, nei commenti alle opere e/o agli ambienti che si ritrovano nei musei.

In conclusione, riqualificare luoghi, beni e servizi di interesse culturale secondo interventi mirati ad elevarne il grado di accessibilità servendosi di una progettazione inclusiva è l’unica strada da percorrere. Anche perché solo così facendo si va incontro alle esigenze di tutti, poiché si concepiscono soluzioni che migliorano la fruizione della cultura da parte della collettività, attraverso espedienti formali e tecnologici per l’eliminazione degli ostacoli fisici e percettivi.

Anna Nica Fittipaldi

Lauria e i suoi tesori nascosti parte III

Continua la mia attività di divulgazione dei piccoli grandi tesori di Lauria. Oggi voglio presentarvi una tela custodita nella Chiesa Madre San Nicola di Bari del Rione Superiore.

sellitto

La tela, realizzata ad olio, è situata al di sopra del terzo altare nella navata destra,ed ha come soggetto iconografico la Madonna degli Angeli tra San Francesco d’Assisi e Sant’Antonio da Padova, l’ opera è stata attribuita al pittore di origine montemurrese Carlo Sellitto e datata fra il 1608-12. L’artista è inserito tra i cosidetti Caravaggeschi di prima generazione, famoso dunque per aver contribuito alla diffusione dello stile del più famoso Caravaggio in Italia meridionale.

Sellitto si contraddistingue per uno stile pittorico a metà fra tradizione ed innovazione. Gli elementi legati alla tradizione si devono alla sua prima formazione di matrice manierista infatti apparteneva alla corrente di Giovan Bernardo Azzolino e Fabrizio Santa Fede. Il peso di questa formazione permane nell’impostazione del disegno delle sue opere. L’innovazione è data senza dubbio dalla sua svolta verso l’imperante naturalismo, rivestono fondamentale importanza sia la sua esperienza formativa  a Napoli presso la bottega del pittore fiammingo Loise Croys risalente al 1591 ca., sia i due soggiorni del Caravaggio a Napoli risalenti al 1606/07 il primo e al 1609/10 l’ultimo. Il suo credo naturalistico è oggettivato tanto dal “modus operandi” quanto dalla scelta dei soggetti, animati da una forte tensione emotiva e da una profonda verità. Il tutto dovuto anche all’influsso del Battistello Carracciolo primo caravaggesco napoletano.

Entrambi si pongono tra i caravaggeschi della prima generazione,che si contraddistinguono per una prima formazione tardo manierista e per aver conosciuto direttamente Caravaggio.

Il sud Italia si caratterizza per una  particolare interpretazone del naturalismo caratterizzata da una costante attenzione agli aspetti più crudi del dato reale, raffigurato senza alcuna concessione retorica. La maniera di dipingere seguiva i dettami del Maestro, infatti le opere si contraddistinguevano per scene illuminate da un raggio di luce forte e diretta, il quale faceva emergere le figure del fondo scuro e creava forti contrasti chiaroscurali, e per il taglio compositivo ravvicinato con soggetti a grandezza naturale ripresi dalla realtà senza idealizzazione.

Ritornando alla tela in questione, la preziosità del dipinto è stata messa in evidenza dallo studioso Francesco Abbate, curatore della mostra “Visibile Latente”  tenutasi a Policastro nel 2004. Il dipinto in questione è affiorato nel 2002, durante le operazioni di smontaggio, sul dorso di una tela ottocentesca di identico soggetto, ancora oggi conservata nella Chiesa, la scoperta fortuita si deve alla Dott.ssa Regina del MIBACT.

Il titolo del dipinto è dovuto, probabilmente al fatto che la Vergine, recante in braccio il Bambin Gesù, è raffigurata assisa sulle nuvole e circondata da vari angeli diversi per età e dimensioni; abbiamo infatti cherubini (resi come teste infantili alate) putti ( i cosiddetti angeli bambini) e molto probabilmente i due angeli più adulti raffigurati in volo ai lati della Vergine sono Serafini. Sono proprio questi ultimi a  porre sul capo della Vergine una corona, gesto che farebbe pensare alla scena dell’incoronazione., tema  che si rifà ad una tradizione extrabiblica, al testo apocrifo del Transitus Mariae ripreso nella Leggenda aurea. Quest’iconografia è tipica della pittura del XVII sec.

                                           sellitto parte sup

Nel registro inferiore raffigurati in espressione estatica abbiamo due santi francescani, come è facilmente deducibile dal fatto che entrambi hanno l’abito francescano,e nello specifico S. Antonio da Padova a destra con i tipici attributi del giglio, crocifisso, libro, saio, fiamma e cuore e S. Francesco a sinistra con il saio bruno, il cingolo le stigmate e il crocifisso oggetto di adorazione. L’ attenzione rivolta all’ esatta rappresentazione dei Ss resi riconoscibili dai tipici attributi si deve alle regole impartite dalla Chiesa durante il periodo della Controriforma.

sellitto parte inferiore

La tela in esame  dove non è emersa alcuna firma e data, sulla base di raffronti di natura stilistica ben s’inserisce nella produzione del Sellitto, infatti anche in questo caso il pittore di origini lucane (nato nel 1580 a Montemurro) ha saputo filtrare attraverso il proprio vissuto, la propria esperienza sociale ed umana e l’iniziale formazione di stampo manierista, l’insegnamento naturalistico del maestro, in modo da sviluppare un linguaggio che si può definire “protocaravaggesco”.

sellitto

Gli echi manieristici si colgono nell’impostazione della scena di stampo tradizionale, soprattutto nella parte superiore del dipinto, caratterizzata da una semplicità d’impianto intrisa di spirito devozionale, oltre che dal cromatismo che accorda i toni più scuri delle vesti dei Santi con quelli più delicati e luminosi di quelle della Vergine e dalla morbidezza del modellato; mentre il dettato caravaggesco si desume tanto dal sapiente ed attento utilizzo della luce, una “luce tagliente” che proveniendo dall’alto si alterna a stacchi d’ombra favorendo così effetti chiaroscurali e di ombreggiature, quanto per la resa dei sentimenti, infatti l’opera risulta animata da una forte tensione emotiva,  ben si coglie il senso di religiosità e verità che pervade il dipinto.

Dal modo di rendere i personaggi si evince l’abilità del Sellitto come ritrattista, infatti soprattutto nei due santi francescani si nota la veridicità e naturalezza dei tratti e dell’espressione, ciò oltre a testimoniare la bravura e abilità del Nostro ci rende testimonianza del suo attingere, come da lezione caravaggesca, non più al repertorio classico ma a quello della strada, dell’abitudine, del vissuto, non risparmiando gli aspetti crudialiano sellitto

e persino volgari dell’esistenza. I suoi personaggi sono reali, tratti dalla realtà quotidiana, privi della patina e del decoro tanto cari agli assertori della Controriforma. Inoltre la sigla stilistica del pittore è ben evidenziata anche negli elementi coloristici e nel disegno scorrevole, tutte caratteristiche riscontrabili anche in sue opere firmate come La Madonna del suffragio e donatore ad Aliano.

Il volto della Vergine della tela in esame è l’esatta copia di quello della Madonna di Aliano e si distingue anche per alcuni dettagli tipici dell’artista come il modo di rendere l’acconciatura ed il velo trasparente.

volto aliano     partic volto

Un altro elemento che ha confermato l’attribuzione è la presenza dei puttini paffuti con il tipico diadema fissato sulla massa soffice dei capelli ancora di stampo tardo manierista,

diadema putti

sellitto partic putti diadema lauria

così come le tonalità calde dell’abito rosa e del manto azzurro della Vergine, oltre che il taglio radente della luce sul corpo nudo del Bambino in modo analogo a quello di Aliano.

bamb aliano    sellitto bambino

Anna Nica Fittipaldi

Lauria e i suoi tesori nascosti parte II

Rieccomi, salve a tutti!

Visto il successo riscontrato dal precedente post, ho deciso di continuare nella spiegazione delle opere d’arte presenti a Lauria (PZ). Sono passati solamente pochi giorni dalla festività di Sant’Antonio, ecco perchè ho deciso di scrivere un post sul polittico conservato nella Chiesa del Convento dei frati Cappuccini.

borgh pic

Immacolata Concezione tra i Santi Antonio da Padova, San Carlo Borromeo, San Matteo , San Luca e l’Eterno Padre IPPOLITO BORGHESE e PAOLO FINOGLIO

Polittico

Olio su tela

Cm 520 x 430

1627 datato

Altare Maggiore Chiesa di Sant’Antonio LAURIA (PZ)

 

Il polittico dell’altare maggiore della Chiesa di Sant’Antonio,  è costituito da un’incorniciatura in legno con intarsi e decorazioni in oro  e composto da 6 dipinti realizzati ad olio su tela: al centro l’Immacolata Concezione, ai lati Sant’Antonio da Padova (sinistra) e San Carlo Borromeo (destra), nel registro superiore San Matteo e San Luca (rispettivamente a destra e sinistra), nella cimasa l’Eterno Padre.

La Grelle pubblica l’ancona dell’altare maggiore della Chiesa di Sant’Antonio per la prima volta nel 1981 come opera del pittore di origine umbra Ippolito Borghese nato nel 1568, e trasferitosi successivamente a Napoli, anche la Ferrante ne ribadisce l’attribuzione, mentre nel 1991 il De Castris lo assegna alla collaborazione fra  il Borghese ed il pittore napoletano Paolo Finoglio da alcuni studiosi considerato come suo apprendista e appartenente alla medesima formazione, tale collaborazione risulta essere attestata sulla base di un documento pubblicato dal Nappi nel 1990 : “ a notaro Michel’Angelo Honorato duc.20. e per lui a Paulo Finoglio pittore et sono per tanti che l’Università de Lauriadeve per saldo e compimento di duc. 70 per il quadro fatto per esso Paolo et il quondam Polito Borghese per la Chiesa di Sant’Antonio delli cappuccini di detta terra di Lauria.”

Nel polittico in esame è possibile ravvisare una dicotomia fra tradizione ed innovazione, gli elementi di tradizione sono riconducibili alla mano del Borghese, pittore considerato “di transizione” e esponente di spicco dell’ultima stagione della pittura manierista napoletana, mentre l’apertura all’innovazione pittorica di Caravaggio si coglie nell’intervento del Finoglio, pittore che al pari del Sellitto può essere considerato un caravaggesco. La cultura tardo cinquecentesca si ravvisa nella struttura iconografica e  nella straordinaria sapienza compositiva di  grande oratoria sacra, di monumentalità tutta romana che è riconducibile al Borghese, e  che ha come referenti artistici Scipione Pulzone e Giuseppe Cesari detto il Cavalier d’Arpino, pittori tardo cinquecenteschi, attivi a Roma che molto probabilmente il Borghese conobbe in occasione del viaggio per il Giubileo del 1600; in particolar modo nella parte centrale dove è raffigurata  la sfolgorante Immacolata concezione, resa secondo la tipica iconografia desunta da quella della Donna vestita di sole dell’Apocalissi Giovannea, che nelle forme dilatate e incombenti pregne di colori saturi, di blu di rossi di vapori dorati rivela  sia una sensibilità già barocca che la preziosa resa dei dettagli di gusto tardo-manierista. Questa parte risulta molto simile ad un’altra parte centrale di un polittico, con la stessa iconografia, sicuramente realizzato dal Borghese perché datato e firmato, per i cappuccini della Chiesa di Camerota (SA).

parte centrale                                           borghese immacolata camerota

L’apertura all’innovazione caravaggesca è ravvisabile invece secondo il De Castris nell’ intervento del Finoglio, in particolare nelle figure dei Ss maggiori Antonio e Carlo Borromeo ai lati dell’Immacolata,riconoscibili per i consueti attributi del giglio e del bastone pastorale, nei quali i modelli caratteristici, devoti e sdolcinati del Borghese caratterizzati dall’impasto soffice degli incarnati, assumono una saldezza plastica e una verità di luce a quegli del tutto ignote; in particolare  nel S. Antonio il Finoglio manifesta un’arguzia concreta e feriale.

s antonio                                               san carlo borromeo

Le due tele del registro superiore  gli evangelisti Matteo e Luca, il primo rappresentato nell’atto di vergare il Vangelo dietro suggerimento dell’Angelo e l’altro con l’attributo del bue, pur conservando anch’essi nel disegno una chiara matrice borghesiana palesano un grado anche maggiore di resa naturalistica nelle fisionomie, nelle rugosità della pelle, nelle stoffe, che risulta affine ad opere coeve del Finoglio. Caravaggesco è inoltre anche l’utilizzo della luce che in particolare nelle tele dove sono raffigurati i Santi fa in modo che le figure si staglino dal fondo scuro creando sapienti effetti chiaroscurali.

san Matteo            san luca

Il polittico è datato al 1627 ed è forse l’ultima opera realizzata dal Borghese che morirà nel marzo dello stesso anno.

Anna Nica Fittipaldi

Lauria e i suoi tesori nascosti

convento immacolata

Ciao amici del blog, con questo articolo voglio iniziare a parlarvi dei tesori nascosti, come li chiamo io,  presenti nel mio paese: Lauria (PZ) ubicato in Basilicata.

I tesori nascosti, altro non sono se non le varie testimonianze artistiche presenti, che purtroppo però risultano, ai più, sconosciuti e non godono della giusta valorizzazione.

Il primo post che vi propongo ha come oggetto un ciclo di affreschi ubicato nel rione inferiore del mio paese, all’interno del Convento dell’Immacolata.

Gli affreschi sono però lacunosi e di conseguenza in alcuni punti di difficile lettura, nonostante ciò, vista la particolare iconografia, costituiscono un documento storico e artistico di fondamentale importanza.

Dal punto di vista storico si può affermare che gli affreschi contribuiscono a colmare la penuria di fonti scritte poiché tracciata sulle mura della Sala, è la storia della diffusione del movimento monastico in Basilicata. Dal punto di vista artistico il ciclo risulta molto complesso a livello iconografico ed iconologico. Molto probabilmente visti i contenuti che emergono dalla sua lettura, questo doveva avere uno scopo didattico e/o divulgativo.

Al movimento francescano appartengono varie famiglie, diversi movimenti come ad esempio quello dei Conventuali e degli Osservanti. Proprio questa differenziazione ben si coglie da un particolare del ciclo di affreschi. Difatti, si vedono intenti ad innaffiare l’albero serafico, San Francesco d’Assisi e San Bernardino da Siena, riformatore dell’Ordine francescano.

Collocato in un grosso vaso, è il cosiddetto Albero dei Francescani, in generale l’immagine dell’albero, del Lignum vitae ha avuto grande fortuna nella letteratura e nell’arte cristiana e ha influenzato pure il mondo francescano.

L’iconografia dell’albero rimanda a molti importanti significati, innanzitutto l’albero è da sempre considerato manifestazione della presenza divina, ecco perché soprattutto nella religione cristiana assume un importante simbolismo. Oggetto di venerazione poiché immagine di comunicazione tra mondo celeste, terreno ed Inferi, inoltre è l’immagine della vita nella sua totalità oltre che della conoscenza.

Nello Specifico l’Albero francescano è una sorta di genealogia rappresentativa dell’Ordine, difatti la sua ramificazione è di tipo genealogico, nel senso che i vari rami dell’Albero serafico simboleggiano i diversi movimenti, le varie famiglie dell’Ordine francescano, nel caso specifico i diversi conventi aderenti all’Ordine dei Frati Osservanti. Il fatto di appartenere allo stesso albero è una metafora che serve a porre l’accento su quello che è il comune denominatore che lega tutti i Francescani cioè la Fraternità. Questa è la chiave del vero spirito francescano, a riprova di ciò basta osservare il fusto dell’albero, che invece di essere dritto è intrecciato a sottolineare appunto il legame strettissimo ed indissolubile che lega i membri dell’Ordine.

Sulla parte frontale del vaso è dipinto una sorta di stemma con raffigurati alcuni simboli cardine per l’Ordine ed in particolare per San Francesco. Il libro indicante la Regola, uno dei più importanti scritti lasciato dal Santo ai suoi Confratelli; la croce  un evidente riferimento a Cristo che vuole alludere al fatto che il Santo era considerato Imitator Christi, inoltre su di essa vi sono altri simboli importanti. Ai lati della croce sono raffigurate sia le parti terminali del cingolo, la corda che i Francescani legano al saio con i tre nodi sia la corona del rosario, quest’ultima divenne attributo di San Francesco solo dopo il 1470 e fa riferimento ad una preghiera devozionale.

Racchiusa dai due rami dell’albero, è un’immagine di difficile interpretazione. Si vedono tre figure religiose una maschile e due femminili. Il Santo con la croce, purtroppo, a causa della lacunosità dell’affresco è di difficile lettura, probabilmente visto l’attributo, potrebbe identificarsi con San Bonaventura da Bagnoregio. La sua presenza si spiega giacché Egli fu di fondamentale importanza per i Francescani al punto da essere ritenuto secondo fondatore dell’Ordine. Accanto al Santo è visibile una Santa raffigurata nuda con i lunghi capelli sciolti, forse identificabile come Sant’Agnese poiché spesso raffigurata nuda coperta solamente dai lunghi capelli, la Santa simbolo della Castità, potrebbe alludere ad uno dei precetti fondamentali dell’Ordine francescano. In ultimo sulla destra vi è un’altra figura femminile: Santa Chiara, francescana e fondatrice dell’Ordine femminile delle Clarisse.

Il cartiglio, che si snoda fra i tre Santi, ricorda quelli che sono gli aspetti fondamentali dell’Ordine Francescano cioè Povertà, Obbedienza e Castità.

L’albero francescano raffigurato nella Sala Capitolare è molto particolare, infatti, dal suo tronco nascono delle rose attributo mariano per eccellenza e i suoi rami altro non sono che tralicci di vite, difatti è visibile anche l’uva. La vite è piuttosto frequente come motivo decorativo nell’arte sacra, la pianta ed il suo frutto sono considerati simboli di Cristo e del suo sacrificio e della fede cristiana. Ed è proprio come tralicci di vite che si diramano i rami dell’Albero francescano ai quali fanno capo figure angeliche che reggono dei cartigli sui quali sono scritti i nomi dei centri della Basilicata appartenenti all’Ordine dei frati Osservanti.

Purtroppo a causa delle cattive condizioni di conservazione non tutti i luoghi scritti sui cartigli sono di facile lettura, sono leggistemmabili solamente alcuni nomi come Lucus Capituli Lauriae Luogo del capitolo di Lauria o L. Policastri Luogo di Policastro o ancora Locus Marateae Luogo di Maratea.

A livello stilistico la caratteristica principale del ciclo di affreschi è la decoratività, i rami dell’albero formano una cornice a caratteri fitomorfici nella quale s’intersecano figure umane anch’esse rese secondo moduli decorativi tanto da divenire esse stesse elementi di vegetazione e dunque di decorazione.

Il ciclo di affreschi conservato nella Sala capitolare del Convento dell’Immacolata a Lauria Inferiore costituisce una testimonianza visibile e tangibile della storia del movimento monastico lauriota e lucano, dei cambiamenti che nel corso del tempo si sono susseguiti.

Anna Nica FITTIPALDI

L’ESERCITO DELLA BELLEZZA

Viviamo in una fase di cambiamento epocale, in un tempo di crisi e criticità drammatiche, non solo economiche, ma anche valoriali. Diventa, dunque, sempre più importante partire dai cosiddetti “cittadini di domani”, dalla nuova generazione sostenendo la loro crescita come cittadini autonomi e consapevoli. Per far ciò, è necessario insegnare ai giovani il senso della valorizzazione ed il significato di Bene Comune.

I futuri fruitori del nostro patrimonio culturale, dovranno essere sensibilizzati adeguatamente verso ciò che rappresenta un bene culturale e dovranno essere stimolati a partecipare, attivamente e creativamente, ad azioni di valorizzazione e di promozione.

Appare sempre più doveroso inculcare nei giovani, attraverso l’esempio, le buone pratiche, un maggior senso civico verso il patrimonio della collettività, approfondendo innanzitutto la CONOSCENZA dello stesso, perché solo cosa si conosce si può tutelare e valorizzare.

Unicamente in questa maniera, nei ragazzi scatterà la molla di voler difendere ciò che apprezzano e sentono ormai come proprio. Essi diventeranno, come auspicato dal noto archeologo e storico dell’arte Salvatore Settis, come dei soldati di un Esercito della Bellezza impegnati ad operare in difesa dei Beni Culturali e a contribuire alla valorizzazione, promozione e protezione del patrimonio artistico e paesaggistico.

Specialmente le istituzioni, la scuola dovrebbero considerare quale obiettivo primario quello di avvicinare le giovani generazioni alla conoscenza, e quindi alla tutela dei BC come un valore civico, morale. Non esiste un concetto rigido di cosa sia o non sia un bene culturale, vi sono cose, gruppi e complessi di beni che hanno importanza per la storia, la condizione presente e i prossimi sviluppi della cultura per svariati motivi.

La cultura non è proprietà di persone, di classi, di città, di singoli Stati, è di TUTTI. Bene culturale significa dunque Bene Pubblico, ed il vocabolo bene in entrambe le accezioni ha un senso patrimoniale, fa parte cioè di un patrimonio. Il patrimonio culturale è mondiale e allo stesso tempo proprietà di tutti, ciascun Paese risponde del proprio a tutto il mondo civile.

E’ indispensabile, quindi, valorizzare il patrimonio culturale affinché esso si trasformi in una fonte di ricchezza etica, estetica e finalmente anche economica per incrementare lo sviluppo sociale e turistico di una città, di una Regione; e offrire allo stesso tempo un messaggio di speranza in particolare ai giovani che potrebbero far valere la propria creatività, le proprie intelligenze, le proprie competenze e professionalità in un progetto condiviso che guardi al presente con proposte pratiche ed operative e che coinvolgano tutte le componenti sociali.

In conclusione riassumendo, per sostenere la crescita dei giovani come cittadini consapevoli e dotati di senso civico, bisogna in prima istanza stabilire un rapporto di familiarità con i luoghi e gli oggetti che li circondano, in modo da suscitare nei singoli l’interesse di conservare e migliorare la vita della comunità concorrendo a progettare lo sviluppo della città e del territorio nell’interesse comune.

 Anna Nica Fittipaldi

NUOVE MODALITA’ DI VALORIZZAZIONE E FRUIZIONE DEI BENI CULTURALI

Necessità prioritaria oggi è quella di cambiare la mentalità per ciò che concerne il modo di approcciare ai Beni Culturali, per  ciò che riguarda la loro valorizzazione. Si deve radicare in tutti noi l’importanza della Valorizzazione, intesa innanzitutto come conoscenza del bene.

Tanto è vero che per valorizzazione si intende la capacità di trasferire informazioni, conoscenze su un determinato BC, che altrimenti i “profani” non riuscirebbero a capire. Attraverso la valorizzazione si arriva alla radice dei temi connessi a quel BC, a quel luogo, a quella storia.

Senza la conoscenza, dunque, è impossibile anche solo pensare a delle ipotesi di valorizzazione.

Va anche sottolineato che un’altra necessità impellente riguardante il cambiamento di approccio ai beni culturali, interessa la loro natura, essi infatti non devono essere più considerati quali beni intoccabili, investiti da un’aura di sacralità, ma come beni capaci di generare economia. Infatti, ad un bene culturale non sono legati solamente dei valori culturali, ma anche dei valori economici.

Tanto è vero che oggi viene individuato e riconosciuto dagli studiosi un nuovo settore economico, il cosiddetto IV settore quello della cultura, nel quale non si producono beni materiali ma emozioni, scoperte, ricordi, identità. Tutti fattori utili alla valorizzazione del bene e che possono diventare fattori produttivi. Difatti, oggi al bene culturale viene attribuito un VET, Valore Economico Totale, dato da diversi valori e fattori, come ad esempio il valore di esistenza che consta nell’attribuire un valore ad un bene per il solo fatto che esista, o il valore altruistico o di opzione, legato ad un uso futuro che si potrebbe avere mediante il bene, o ancora il valore indiretto dovuto non all’utilizzo diretto del bene, ma ad esempio all’utilizzo dei flussi turistici che esso genera.

Tenendo in considerazione il potenziale economico di ogni bene culturale si può valorizzarlo nell’ottica di una fruizione dello stesso soprattutto dal punto di vista turistico.

Rendere fruibile il bene, non vuol dire snaturarlo o danneggiarlo, poiché si possono realizzare delle azioni di marketing esperenziale assolutamente non invasive.

Ad esempio per veicolare al meglio il contenuto culturale di un bene oltre che per catalizzare l’attenzione del pubblico, l’approccio alla valorizzazione dello stesso deve andare verso le emozioni, i contenuti educativi e culturali devono venire veicolati in maniera nuova, attraverso l’utilizzo delle nuove tecnologie, costruendo un racconto del bene, sotto forma di storytelling in modo da scatenare innanzitutto il coinvolgimento emotivo dello spettatore, catturarne l’attenzione. Spesso nelle offerte culturali, nelle proposte di valorizzazione e fruizione di un bene non si tiene conto di ciò, si deve andare verso proposte basate sull’ edutainment.

Necessario, oggi, per valorizzare un bene culturale è innanzitutto recuperare la conoscenza di esso ed instaurare un nuovo legame affettivo ed emotivo della popolazione nei suoi confronti.

Farlo conoscere non limitandosi al solo bene, ma unendo ad esso anche l’esperienza, le emozioni che ne derivano, servendosi dei nuovi linguaggi, delle nuove tecnologie in linea con le tecniche più utilizzate di marketing esperenziale.

Bisogna essere in grado di veicolare un nuovo tipo di offerta turistica, la quale dovrà essere capace di soddisfare i bisogni di esperenzialità dei turisti.

Il nuovo turista, il turista 2.0 infatti non domanda più semplicemente beni e servizi turistici ma esperienze turistiche complesse e coinvolgenti, l’offerta dovrà per forza di cose essere curvata sulla nuova domanda, per rispondere alle rinnovate esigenze dei turisti.

Dunque, per rendere un BC attrattivo dal punto di vista turistico è necessario che si seguano le nuove direttive del destination management. Il sito e/o il Bene Culturale in oggetto dovrà sempre più funzionare come un teatro, i turisti diventano nell’economia delle esperienze spettatori-attori coinvolti attivamente.

Caratteristiche che un bene-servizio culturale deve oggi avere sono le cosiddette 5 A:

ATTRATTIVITA’

ACCESSIBILITA’

ACCOGLIENZA

AMBIENTAZIONE (intesa come partecipazione)

ANIMAZIONE

Anna Nica Fittipaldi